Cineastas de Hoy: HANS ZIMMER

Puede que os hayáis llevado una buena sorpresa con el título de esta entrada, pero si, Hans Zimmer, ese genio capaz de componer una y otra vez soberbias bandas sonoras cada año, es alemán. De hecho, cuando empecé a estudiar alemán (hace ya unos pocos años) Zimmer fue una de las primeras palabras que aprendí gracias a él. Significa habitación. Y aunque si bien siempre ha trabajado entre Reino Unido y Hollywood (de ahí el pensar que sea norteamericano) eso no resta para que podamos hablar de su figura en este sitio. 

El compositor de El Rey León, Gladiator, o Inception entre otras, nace en Frankfurt el 12 de septiembre de 1957. Su madre, de origen judío, debe huir en los años 30 de Alemania hacía Reino Unido, si bien volverá pasada la guerra. Huérfano de padre desde muy joven, Hans se refugia en la música llegando a mostrar un gran talento para el piano a pesar de su carácter rebelde e indisciplinado. Más adelante se traslada a Londres donde empieza a dar rienda suelta a su imaginación e inventiva con la música electrónica, experimentando con diferentes bandas new wave al mando de los teclados y sintetizadores como por ejemplo Krakatoa, Krisma, Helden, llegando a ser invitado para participar en un concierto en España junto a la banda Mecano, y por su puesto, su colaboración con la banda  y su mítico single "Video Killed the Radio Star". Pero es durante la década de los años 80s, mientras trabaja en jingles para anuncios, cuando forja un alianza con el compositor Stanley Myers, autor de innumerables bandas sonoras de películas. Juntos crean la London-Based Lillie Yard Recording Studio, una productora musical para bandas sonoras en la que supieran fusionar de manera novedosa la música orquestal con nuevos sonidos electrónicos, siendo algunos de sus proyectos más conocidos Trabajo Clandestino (Jerzy Skolimowski, 1982) o Mi hermosa lavandería (Stephen Fears, 1985). El primer trabajo en solitario de Zimmer llega en 1987 como encargo del director Nico Mastorakis, con Terminal Exposure. Ese mismo además es uno de los productores de la banda sonora de El Último Emperador, ganadora del Oscar. Es al año siguiente cuando llega su gran oportunidad al firmar la banda sonora de Rain Man, de Barry Levinson. Este buscaba un compositor para dicha película y fue gracias a la recomendación de su esposa, la cual había quedado impresionada por el trabajo del alemán en Un Mundo Aparte (Chris Menges, 1988), que consiguió el trabajo. Obtiene su primera nominación al Oscar por su característica composición en Rain Man gracias a sus temas rítmicos en los que fusiona sintetizadores con tambores metálicos. Hollywood se fija en este joven compositor y comienzan a lloverle los encargos, por lo que no tarda en trasladarse a California. Allí realiza entre otros notables proyectos como Paseando a Miss Daisy, Black Rain, Matrimonio de Conveniencia, Días de Trueno, Thelma y Louise, Llamaradas, A propósito de Henry, Amor a Quemarropa... como vemos, Zimmer no tiene problema alguna en combinar géneros como acción o comedias. 

En 1994, y tras los grandes éxitos cosechados, la Disney pone sus ojos en el compositor alemán, encargándole la realización de la banda sonora de la que posiblemente sea la mejor película de animación de la productora, El Rey León. Para ello colabora junto al compositor de canciones de Tim Rice, y al famoso cantante Elton John, para firmar uno de los mejores trabajos de su filmografía. Zimmer se deja llevar por la historia haciendo un épico uso de música electrónica como venía siendo habitual, sin dejar de mostrar su lado más orquestal. La película gana el Oscar a Mejor Banda Sonora, curiosamente, el único de su carrera hasta la fecha. El éxito es total, Zimmer ya es uno de los nombres de mayor importancia en el panorama musical internacional. Requerido para las grandes productoras, se especializa en películas de acción, aunque siempre dejando tiempo para el género de comedia (uno de sus favoritos) y el drama. Algunos de sus títulos más relevantes desde entonces son: Marea Roja, La Roca, Misión Imposible II, Hannibal, Pearl Harbor, Black Hawk Derribado, Lágrimas del sol, El último samurai, El rey Arturo, El Código DaVinci, The Holiday,  Frost/Nixon, Man of Steel, Rush, 12 años de esclavitud, Chappie. 
Podríamos destacar su trabajo en la trilogía de El Caballero Oscuro, trabajando en las dos primeras entregas junto a James Newton Howard, en las continuaciones de Piratas del Caribe, su incursión en el mundo de la televisión con The Pacific, La Biblia; o en el de los videojuegos con Call of Duty: Modern Warfare II. 
Es además un ávido aficionado a las películas de animación, como demuestra además de su trabajo en El Rey León, con Spirit: El corcel indomable, El espantatiburones, Madagascar, Los Simpson: La Película, Kung Fu Panda, Megamind, o Gru: Mi villano favorito.
Sin contar las dos primeras nominaciones mencionadas, Hans Zimmer ha estado nominado al Oscar por La Mujer del Predicador, Mejor... imposible, La delgada línea roja, El príncipe de Egipto, Gladiator, Sherlock Holmes, Inception e Interstellar.
Otra hecho significativo de este compositor es su gran número de alumnos. Compositores que trabajan con y para Zimmer en Remote Control Productions, una empresa de música cinematográfica que realiza composiciones para todo tipo de medios. Si bien en RCP podemos encontrar a grandes autores que ya eran conocidos y de renombre antes de que llegase Zimmer, encontramos a otros que beben directamente de la influencia de este último. Autores que poco a poco comienzan a sonar en el panorama actual y a hacerse su propio nombre como pueden ser Klaus Badelt, Ramin Djawadi, Nick Glennie-Smith, Harry Gregson-Williams, Steve Jablonsky, Henry Jackman, John Powell, John Debney, Gavin Greenaway, o Junkie XL.
Además de este Oscar por El Rey León, Zimmer ha cosechado gran número de premios a lo largo de su carrera, destacando un par de Globos de Oro, y cuatro Grammys. Además tiene su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

@cine_aleman

Cineastas de ayer: F. W. MURNAU (1888-1931)

Friedrich Wilhelm Plumpe (más tarde lo cambió a Murnau) nació en Bielefeld, Alemania, el 28 de diciembre de 1888.  Desde joven se vio interesado por las artes, de ahí que tras su paso por la universidad comenzara a trabajar en el teatro y la industria del cine. Max Reinhardt, principal impulsor del expresionismo alemán, fue su mentor durante esa época.

La mayoría de sus películas en Alemania no han llegado a nuestros días.

Su ópera prima nos llegó en 1919 con el título de Der Knabe in Blau, aunque no alcanzaría la fama hasta 1922 con  películas más conocida de la filmografía del director: Nosferatu.

Se trataba de una adaptación del Drácula de Bram Stoker, aunque en un contexto diferente, debido principalmente a que el estudio para el que trabajaba fue incapaz de hacerse con los derechos de la obra.
Murnau presenta una Alemania destrozada y desmoralizada tras la guerra en vez de la Inglaterra victoriana. Cambia los nombres de los protagonista y pocas cosas más. Aún así la viuda de Stoker demandó al estudio y ganó el juicio, por lo que tuvieron que destruir todas las copias, aunque consiguieron salvar unas pocas que mantuvieron ocultas hasta la muerte de la buena señora.

Podemos considerar esta cinta como uno de los más celebres documentos cinematográficos sobre el vampirismo, y una de las cintas más importantes obras del expresionismo alemán.

Tras Nosferatu le llegó el turno a Phantom, basada en la novela homónima de Gerhart Hauptmann (premio Nobel de Literatura en 1912). Dos curiosidades sobre esta cinta: La primera es que el guión es obra de Thea von Harbou, esposa de Fritz Lang; la segunda es que la película se consideró desaparecida hasta que se encontró una copia en buen estado en 2002.

En 1924 llega otras de sus cintas más celebres, y una película que muchos discuten si es la segunda mejor película de la historia: Der Letzte Mann. Junto a Emil Jannings en gracia, y con guión de Carl Mayer, esta cinta nos presenta a un anciano portero de un hotel de lujo, respetado y admirado por todos, que ve como la edad empieza a suponer un problema para su quehacer físico diario. Poco a poco se va viendo relegado en los peores puestos del hotel hasta que llegar a un punto que por pura desesperación no podrá salir del fondo del pozo.

Algunas de las cosas que cabrían destacar de esta película son los puntos de vista subjetivo de la cámara como si fuera el personaje y los efectos visuales que ayudan al espectador a comprender el propio estado de ánimos y sentimientos del protagonista. Auténtica joya. Posiblemente su mejor cinta en Alemania.

(Fotograma de "El último")

(Gösta Ekman en "Fausto")

Precisamente la última película que dirigió en dicho país fue Fausto, con una gran presupuesto y las estrellas alemanas Gösta Ekman y Emil Jannings. La película, una cuidada y fiel adaptación de la novela del dramaturgo alemán Goethe, destaca una impecable técnica para la época con claroscuro y unos impactantes efectos especiales para la época.

Pero como muchos grandes artistas europeos, Murnau se trasladó a EEUU a sueldo de la 20th Century Fox, cuya primera película sería su gran obra maestra, la mejor película de los años 20, el mejor drama romántico de la historia, y una de las mejores película del cine clásico. Todo esto en mi opinión. Por supuesto estoy hablando de Sunrise: A song of two humans, protagonizada por Janet Gaynor y George O´Brien, cuenta la historia de un matrimonio en un pueblo cuya relación se truncada por una mujer de ciudad que intenta hacerse con el marido y que asesine a su mujer para ambos puedan vivir juntos. La película recibió tres Oscar en la primera ceremonia de los Oscar: Mejor Actriz, Mejor Fotografía, y Mejor Calidad Artística de Producción. Con este último hay algo que siempre me gusta aclarar. En la primera ceremonia de los Oscar no hubo un premio a Mejor Película, sino que hubo dos: Mejor Producción, y Mejor Calidad Artística. Que ocurre, que hubo que aplicar una similitud con estos dos premios y el de Mejor Película, por lo que la historia reconoce a Wings, como la primera ganadora del Oscar.

(Fotograma de Sunrise)

Tras la llegada del cine sonoro, y las discusiones que tuvo junto a William Fox, Murnau se alejó un poco del mundanal espectáculo de Hollywood. Principalmente porque sus dos siguientes obras no obtuvieron el éxito esperado, City Girls y Four Devils.

Realizó un viaje por el sur del Pacífico, lo cual inspiró su última película, Tabú. Realizó en escenarios abiertos el rodaje de esta película junto al documentalista Robert J Flaherty.

El 11 de Marzo de 1931 falleció en Santa Mónica en un accidente automovilístico. Mucho se ha hablado de este accidente, pero la principal causa al parecer fue la inexperiencia de su chófer, un niño filipino de 14 años que además era su amante.

Una filmografía corta, pero que nos dejó cuatro obras maestras, que no es poco. Pero principalmente, por lo que deberá ser recordado Murnau, es por su influencia, no solo en el cine expresionista alemán, sino en los siguientes cineastas y por lo revolucionario de alguno de sus metodos de rodaje, y su técnica.

@cine_aleman

Crítica: Kirschblüten (2008)

Título en Español: Cerezos en Flor

Director: Doris Dörrie

Guión: Doris Dörrie

Reparto: Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Brückner, Nadja Uhl, Birgit Minichmayr, Felix Eitner, Floriane Daniel, Celine Tanneberger, Robert Döhlert

Música: Claus Bantzer

Fotografía: Martin Kukula

Productora: Olga Film GbmH/ BR/ ARD/ ARTE

Handlung

Trudi acaba de descubrir que su marido, Rudi, padece de un cáncer terminal que acabara con su vida en cuestión de meses. Incapaz de contarle la verdad, y de convencerle para visitar a su hijo menor a Japón como seria su sueno, consigue que vayan a Berlín a visitar a sus otros dos hijos con los que tienen una fría y distante relación. Es de hecho la novia de su hija la que mejor atienda a la pareja. Ante el trato indiferente e incomodo de sus hijos, deciden ir al norte, a la costa, para tener tiempo para ellos. Pero es ahí donde la acción torna en tragedia cuando Trudi fallece inesperadamente mientras duerme, dejando a Rudi abatido, solo, y perdido. Este descubre que debido a su carácter cerrado, tradicional, y rutinario no llego a conocer realmente a su mujer. Es por esto que toma la determinación de viajar a Japón tal y como Trudi anhelaba para reconciliarse con su hijo y encontrarse por ultima vez con ella a través de la danza Butoh.

Meine Bewertung

No es la carrera de Doris Dörrie una de las mas aclamadas en Alemania. Su filmografía resulta irregular en cuanto a calidad, pero no en cuanto a cantidad. No por ello deja de ser una de las figuras más interesantes y admiradas en su país. Alumna aventajada en su época de estudiante, esta productora, directora y guionista ha sabido llevar tanto a la gran pantalla, como a la televisión, un gran número de proyectos dotados de gran personalidad y originalidad. Suyo son títulos reseñables como Männer (1986), Keiner liebt mich (1995) o Bin ich schön? (1998).
En la mayoría de sus trabajos analiza como pocos las relaciones entre hombres y mujeres de su época dotándolas de un gran realismo y honestidad, siendo Cerezos en flor  seguramente su trabajo mas personal y logrado. Y por que? Fue durante el rodaje en Espana a mediados de los 90s de Bin ich schon? cuando pierde a su joven marido a causa del cáncer, hecho que la ha marcado tanto en su vida personal como profesional. A esto hemos de añadirle su fascinación por la cultura japonesa, como ya demostró en su película del ano 2000, Erleuchtung garantiert. Dörrie trata el tema de la vejez y el amor con el paso de los anos con esta hermosa película que homenajea al cine del maestro japones Yasujiro Ozu, y en concreto la obra maestra de este Cuentos de Tokio (1953), en concreto al abordar la relación entre los padres y los hijos, y hasta hay guiño al personaje de Setsuko Hara.
Es así como aúna en un mismo proyectos dos fuertes influencias que la transformaron como persona y artista en una de las cintas mas hermosas de los últimos anos. Cerezos en flor supone un claro alegato al amor tras la muerte, al doloroso vacío que experimentamos sin amor, y a como la búsqueda de este puede reencontrarnos con la persona amada aunque ya no este con nosotros.
Cabe destacar el trabajo del consagrado actor Elmar Wepper dando vida a Rudi Angemeier.

Das Beste: La línea que separa el arte y el ridículo en ocasiones es muy corta. Está en manos de unos pocos saber decantarse por la primera opción. Dörrie lo consigue. 

Das Schlimmste: El hecho de que en ciertos momentos pueda resultar lenta es un homenaje al cine de Ozu..

Preises:

Premios del Cine Alemán

Mejor Actor (Elmar Wepper)

Mejor Diseño de Vestuario

Mejor Película de Plata

Premios del cine Bávaro

Mejor Producción

Mejor Actor (Elmar Wepper)

Gremio de cineastas alemanes

Mejor Película

Premios de la asociación de críticos alemanes

Mejor Actor (Elmar Wepper)

Festival de Cine Internacional de Seattle

Mejor Película

Nota: 4,5/5 Cervecitas.

@cine_aleman

Crítica: Metropolis (1927)

Título en Español:Metrópolis

Director: Fritz Lang

Guión:Thea von Harbou, Fritz Lang (no acreditado)

Reparto: Gustav Fröhlich, Brigitte Helm, Alfred Abel,
Rudolf Klein-Rogge

Música: Gottfried Huppertz

Fotografía: Karl Freund

Productora:UFA

Handlung

Nos situamos en el año 2026. En el futuro, la sociedad se encuentra claramente dividida entre trabajadores y privilegiados. Los primeros trabajan en un régimen de esclavitud en las entrañas de la Tierra, soportando unas condiciones infrahumanas de vida, y haciendo funcionar la maquinaria que permite a los privilegiados, en el exterior, y rozando los cielos con los impresionantes rascacielos, llevar un lujoso y cómodo tren de vida. Freder (Gustav Fröhlich) es un joven privilegiado que ignora el terrible sufrimiento de los trabajadores hasta que un día conoce a Maria (Brigitte Helm), una hermosa joven trabajadora de la que se enamora, y a la que sigue hasta un mitín en el subsuelo en el que ella trata de convencer a los trabajadores que la solución a sus problemas no es una revolución violenta, sino aguantar y ser pacientes hasta que llegue el Mediador, el cual conseguirá que ambos mundos se reconcilien y vivan en paz y armonía. Freder queda impactado por lo que ve, de manera que decide unirse a la causa de Maria y luchar por los derechos de aquellos hombres y mujeres. Al mismo tiempo entra en escena el personaje de Johan Jon Fredersen (Alfred Abel), padre de Freder y presidente de Metrópolis. Enterado de la existencia de Maria, y con la necesidad de golpear con dureza a los trabajadores ante el riesgo de una rebelión, elabora junto al científico Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) un maquiavélico plan que implica el uso de un robot antropomorfo, que puede adquirir el aspecto de un humano, para hacerle pasar por Maria, incitar una rebelión por parte de los trabajadores, y así responder con dureza con las fuerzas de seguridad de Metrópolis. Lo que Fredersen no sabe, es que Rotwang ha creado al robot con la intención de vengarse de él, por el pasado que tuvo que su esposa fallecida.

Meine Bewertung

Son tantas las razones por las que debemos tener en cuenta un título tan importante para la historia del cine como Metrópolis que puede llegar a resultar complicado el mencionar cada una de ellas. Me voy a abstener a las, en mi opinión, principales. Una de ellas serían los espectaculares efectos especiales. A día de hoy pueden resultar acartonados y poco o nada van a impresionar comparado con los actuales, pero sí que son unos efectos asombrosos si tenemos en cuenta el año en que se rodaron, (1926) y más aún, lo interesante no son los efectos, sino como los hicieron. Fritz Lang se implicó notablemente en este apartado, deseoso de crear una impactante obra de ciencia-ficción alejada de las habituales de la época. Gran aficionado a la arquitectura, e impresionado por el paisaje de rascacielos en su viaje a Estados Unidos, Lang, junto al genio Eugen Schüfftan, y la fotografía expresionista de Karl Freund, recrea a través de un gran número de maquetas su ciudad del futuro. Rueda también haciendo uso de la técnica de stop-motion, y emplea trucos basados en juegos de espejos e ilusiones ópticas. También se inspiró en algunos cuadros de temática religiosa para la creación de este "nuevo" mundo, en especial el cuadro de la Torre de Babel de Pieter Brueghel. Para el diseño del robot se encargo al escultor Walter Schulze-Mittendorff, el cual lo desarrolló a través de un molde de yeso del cuerpo de Brigitte Helm. Después se ensablaron las piezas dejando algunas rendijas para que la actriz pudiese respirar, pero eso no le facilitó las cosas, ya que el propio peso del traje, y la poca libertad de movimientos del mismo supusieron todo un suplicio durante el rodaje para Helm.

Fue tanta la implicación de Lang en todo lo anterior, que llego a relegar a un segundo plano el propio argumento de la película. Si bien fue co-guionista no acreditado junto a su esposa, fue esta la que desarrolló el argumento y el trasfondo social del mismo. En este denuncia la existencia de dos clases diferenciadas, privilegiados y trabajadores, claramente alienados por el régimen de esclavitud en el que viven, tal y como propulgaba el marxismo. Sin embargo, von Harbou va más allá al criticar la solución de este problema, la revolución de los trabajadores. La esposa de Fritz Lang era una conocida simpatizante de un movimiento político que comenzaba a asentarse en Alemania, el nacionalsocialismo, que contrario a la idea de una revolución obrera, defiende una colaboración entre las distintas clases. Seguramente por ello, von Harbou se inclina ante esta postura. En la película, es el personaje de Maria el que trata de convencer a los trabajadores de no iniciar una revolución violenta, sino esperar al Mediador, y ser pacíficos hasta entonces y durante la futura transición. Al estar Lang más implicado en las labores de dirección, producción, y gestión de los efectos especiales, no le dio mayor importancia. ¿Es por ello Metrópolis una obra de temática nazi? Nada más alejado de la realidad, si re-leéis una par de lineas atrás en negrita veréis que no. Pero sí que se ha enaltecido, al menos la visión inicial del futuro, como un futuro apocalíptico por parte de la izquierda como ideología, y de la misma manera por cualquier persona con sentido común actualmente. De hecho la película sufrió cortes tanto por su larga duración, como por la "simbología" política. En Estados Unidos sufrió numerosos tijerazos que acortaron la cinta alrededor de una hora. Al ser distribuida, la UFA también recortó escenas por razones comerciales, de manera que la versión original quedó perdida por muchos años. No fue hasta el 2008, mas de 80 años después de su estreno, cuando se encontró una copia de la versión original en Buenos Aires, Argentina. Tras una complicada restauración se llegó a recuperar casi la totalidad del film, que se estrenó nuevamente en el Festival de Cine de Berlin dos años después.

Tras una costosa y larga producción, la cinta se presenta finalmente en Berlín el 10 de enero de 1927, siendo bien acogida por el publico del pre estreno, sin embargo, no termina de convencer a críticos tanto europeos como americanos. La visión apocalíptica de la cinta, alejada de la temática de las cintas de ciencia ficción de la época, supone su final rechazo. La UFA casi acaba en bancarrota debido a la terrible deuda que generó la película. Sin embargo, y con el paso de los años, Metrópolis se ha ido recordando una y otra vez, siendo alabada tanto por la crítica como por el público que comienzan a apreciar la gran visión del matrimonio Lang para con esta cinta, llegando a inspirar a las generaciones futuras que abrazaron la ciencia-ficción como género cinematográfico o literario.
Curiosamente, tras el fracaso de la cinta, y la gran acogida que tuvo en los círculos nacional socialistas (Goebbels adoraba la cinta), Lang rechazó su autoría, y se desentendió de la misma. Más tarde afirmaría que todo guiño político al nazismo había sido obra de su ex-esposa (de la que se divorció en 1933), pero que no por ello él dejaba de tener culpa. Su intención era narrar una historia con un mensaje esperanzador y feliz, además del propio interés que le suscitaba la ciencia ficción y las máquinas como los robots. Sin embargo, con el paso de los años, y viendo que algunos apartados técnicos de su cinta y de su visión futurista se llevaban a cabo dejó de ser tan crítico con su obra.

Das Beste:

Los efectos especiales, la historia, la simbologia...

Das Schlimmste:

El desarrollo de la cinta en ciertos tramos.

Nota: 4,5/5 Cervecitas.

Aquí podéis ver la película online:

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Crítica: Der blaue Engel (1930)

Título en Español: El Ángel Azul

Director: Josef von Sternberg

Guión: Karl Zuckmayer, Karl Vollmuller, Robert Liebmann

basado en la novela de Heinrich Mann

Reparto: Emil Jannings, Marlene Dietrich, Kurt Gerron, Rosa Valetti, 

Hans Albers, Eduard von Winterstein.

Música: Frederick Hollander

Fotografía: Günter Rittau, Hans Schneeberger

Productora: UFA

Handlung

Dirigida por Josef von Sternberg, y protagonizada por el mítico Emil Jannings, la película nos cuenta la historia de un estricto profesor que ante la noticia de que algunos de sus alumnos pasan las noches en un cabaret llamado El Ángel Azul, decide ir por su cuenta una noche para tratar de descubrir sus identidades. Lo que no se esperaba es que fuese seducido por la principal cantante del local, Lola-Lola, interpretada por Dietrich. 

Al poco tiempo el profesor ha de dejar su puesto ante la imposibilidad de ejercer como tal y tener una relación con una cantante de cabaret, lo que será el principio de su caída a un pozo de humillación y degradación.

Meine Bewertung

Una auténtica joya no fácil de digerir, que me recuerda, por la temática y el desarrollo del personaje principal a otra joya de los años 20, The Crowd (King Vidor, 1928), aunque con un final un tanto distinto. Pero es que es un film alemán, un film europeo, no busca un final que haga sentir bien al espectador. Eso se lo podemos dejar al cine norteamericano, con contadas excepciones. La película nos arrastra en todo momento por un agobiante tour de force que nos permite experimentar de primera mano los sentimientos del profesor, junto a su angustia y agonía. Ha caído en una tela de araña de la que no puede escapar, únicamente pegarse más y más, hasta su caída final. Gracias a la soberbia interpretación de ese monstruo de la actuación que fue Emil Jannings.

La acción transcurre durante los años 20, haciendo una similitud de la propia historia con la de la República de Weimar (1919-1933), donde la personalidad de la gente se ha vuelto más dura, se han perdido muchos valores, y personas respetables y tradicionales como el profesor, pueden acabar sucumbiendo en esta locura de sistema. La actitud de la gente, la forma de actuar, la constante humillación hacia los débiles como medio de personificación de la fuerza... algo propio del ser humano, pero resaltado con acierto en la película.

Como curiosidad, la película no estuvo exenta de polémica, además de por la propia historia, porque Marlene Dietrich, que alcanzó una gran fama gracias a su papel, aparecía con los muslos descubiertos, dando al cine una de esas imágenes que pasarán a la posteridad. De hecho recuerdo haber visto un grafiti de unos 15 metros en una estación de metro en Berlín con la imagen en cuestión.

Das Beste: La historia y su reparto.

Das Schlimmste: A pesar de ser una de las primeras películas de cine sonoro en Europa se deja llevar por el estilo propio del cine mudo. Es comprensible.

Nota: 5/5 CERVECITAS!

Podéis ver la película online aquí:

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Crítica: Good Bye, Lenin! (2003)

Título en Español: Good Bye, Lenin!

Director: Wolfgang Becker

Guión: Wolfgang Becker, Bernd Lichtenberg

Reparto: Daniel Brühl, Katrin Sass, Chulpan Khamatova, Maria Simon, 

Jürgen Vogel

Música: Yann Tiersen

Fotografía: Martin Kukula

Producción: X Filme Creative Pool/ ARTE/ WDR/ Senator Entertaiment

Handlung

Berlín Este, 1978, la familia Kerner es una de tantas que han vivido el abandono por parte de uno de sus miembros, en este caso el padre, en busca de una vida mejor en la Alemania Occidental (RFA). Conmocionada por este hecho, la madre de la familia, Christiane, se vuelca en reivindicaciones sociales para con sus vecinos, conocidos y cualquier ciudadano de su amada Alemania Oriental (RDA) como buena socialista, y en sus hijos, Ariane y Alex, que sueña con convertirse en astronauta como su héroe Sigmund Jähn. Once años después, en Octubre de 1989, la situación en la RDA es más delicada que nunca. Los berlineses quieren acabar con el régimen comunista aislacionista, por lo que las protestas se suceden continuamente. Es durante una de estas cuando a través del uso de la fuerza detienen a Alex en presencia de su madre. Este suceso le provoca una nueva conmoción, perdiendo el conocimiento y entrando en coma. Los días pasan y Christiane se pierde debido a su estado, la caída del muro de Berlín y los primeros pasos de la reunificación de ambos países. Una nueva vida aparece ante los ojos de los alemanes y de la familia Kerner hasta que la madre despierta en un estado emocional delicado. Cualquier emoción fuerte podría ser fatal, es por ello que Alex hará todo lo que esté en su mano para creer a su madre que la RDA no ha caído. 

Meine Bewertung

Good Bye, Lenin! no es la historia de una familia, es la historia de miles de familias cuyas vidas cambiaron para siempre tras la caída del muro de Berlín. Familias separadas durante 40 años que en ocasiones pudieron reunirse, y en otras no. La película cuenta, alternando brillantemente comedia con drama, la abismal diferencia entre personas separadas por un vergonzoso muro y el resultado de la fusión entre dos culturas tan radicalmente opuestas.

Los protagonistas asisten con alivio a la caída del régimen comunista alcanzando la libertad que tanto ansiaban, pero el precio a pagar es el estilo de vida capitalista, más individualista y frío. Somos testigos de todos estas diferencias a través de pequeños detalles, la mayoría provenientes de la farsa de Alex para con su madre, y el original desarrollo de la misma en la que es el régimen capitalista el que se desmorona y son los alemanes occidentales los que huyen a la RDA. Toda una ucronía dentro de una historia real.

Pero si bien el guión trata de mostrar todos estos hechos históricos combinando crítica y cinismo, no hemos de olvidar que el tema central de la historia es una historia sobre el amor incondicional que siente un hijo por su madre, y el esfuerzo y sacrificio que está dispuesta a realizar para cuidar de ella. 

La cinta fue todo un éxito tanto de crítica como de público, presentándonos a uno de los mejores y más conocidos actores alemanes del panorama actual, Daniel Brühl. Acompaña además el músico francés Yann Tiersen, con otra genial composición tras su colosal trabajo en Amelie (Jean Pierre Jeunet, 2001), destacando el tema Summer 1978.

Good Bye Lenin! es una de las cintas más conocidas y queridas de la filmografía alemana.

Das Beste: El desarrollo de la historia de la familia Kerner en paralelo con la de la propia Alemania.

Das Schlimmste: El excesivo edulcoramiento en algunos aspectos concretos.

Preises:

Premios del Cine Alemán

Mejor Película
Mejor Película Alemana para el público
Mejor Director (Wolfgang Becker)
Mejor Actor (Daniel Brühl)
Mejor Actor Secundario (Florian Lukas)
Mejor Banda Sonora (Yann Tiersen)
Mejor Edición (Peter R. Adam)
Mejor Diseño de Producción (Lothar Holler)

Festival Internacional de Cine de Berlín
Ángel Azul

Festival de Cine de Valladolid
Premio Especial del Jurado

Premios del Cine Europeo
Mejor Película
Mejor Director para el público (Wolfgang Becker)
Mejor Actor (Daniel Brühl)
Mejor Actor para el público (Daniel Brühl)
Mejor Actriz para el público (Katrin Sass)
Mejor Guión ( Wolfgang Becker, Bernd Lichtenberg)

Premios Cesar
Mejor Película de la Unión Europea

Premios Goya
Mejor Película Europea

Premios Bambi

Mejor Película  

Premios Bávaros

Mejor Película para el público

Premios Bodil
Mejor Película No Americana

Gremio de Cineastas Alemanes
Mejor Película

Gremio de Directores Británicos
Mejor Director de Lengua Extranjera (Wolfgang Becker)

Golden Screen
Mejor Película

Círculo de críticos de Londres
Mejor Película Extranjera

Nota: 4,5/5 Cervecitas.

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Crítica: Almanya - Willkommen in Deutschland (2011)

Título en Español: Almanya: Bienvenido a Alemania

Director: Yasemin Samdereli

Guión: Yasemin Samdereli y Nesrin Samdereli

Reparto:  Fahri Ögün Yardim, Demet Gül, Aylin Tezel, Rafael Koussouris, Vedat Erincin, Lilay Huser, Denis Moschitto, Petra Schmidt-Schaller, Aykut Kayacik, Aycan Vardar, Ercan Karacayli, Kaan Aydogdu, Siir Eloglu, Aliya Artuc

Música: Gerd Baumann

Fotografía: The Chau Ngo

Productora: Roxy Film/ Infa Film/ Concorde Filmverleih

Handlung

Los Yilmaz son la típica familia turca asentada en Alemania. El patriarca de la misma, el anciano Hüseyin, observa como sus hijos y nietos se alejan cada vez más de sus raíces turcas adoptando el estilo de vida occidental y olvidando sus orígenes. Por ello decide comprar una casa en Turquía y llevar a toda la familia con el para restaurarla. Al mismo tiempo, y durante el trayecto, Canan (la nieta de 22 años de los Yilmaz y embarazada de un inglés) irá narrando la historia de la familia y de su llegada a Alemania casi 50 años antes.

Meine Bewertung
Yo soy español y he emigrado a Alemania, ¿qué más puedo decir? Afortunadamente mi situación es mucho mejor que la de la familia de la película o la de otros muchos turcos, griegos, rumanos, polacos, y ahora españoles, que emigran al país teutón, pero no por ello dejo de entender el drama de esta familia y el choque cultural con muchas de las situaciones de las que somos testigos. La historia de los Yilmaz es solo una de tantas y tantas historias, cada una de ellas única y especial, pero que no por ello podemos considerar representativa de la inmigración de los años 60. Si bien la cinta podría haber adoptado un carácter más dramático, esto no habría supuesto nada nuevo u original, ya que seguiría la tónica habitual de este tipo de películas. En vez de eso, las hermanas Samdereli dotan a la historia de un tono más optimista, simpático, pero no por ello menos real, basada en su propia familia. Además de esto, realizan una acertada comparación temporal de la misma familia antes y después de emigrar, y como la cultura occidental les ha afectado para bien o para mal. 

Das Beste: Es de agradecer el tono de humor adoptado por las hermanas Samdereli para narrar una de tantas dramáticas historias sobre la inmigración sin que por ello pierda en realismo.

Das Schlimmste: Si bien contamos con una carismática familia turca como protagonista, no podemos caer en el error de generalizar sobre la inmigración con tonos tan amables.

Preises:

Premios del Cine Alemán

Mejor Guion (Yasemin Samdereli y Nesrin Samdereli)

Segunda Mejor Pelicula

Gremio de los Cineastas Alemanes

Mejor Pelicula Alemana  

Premios de la Asociacion de Criticos Alemanes

Mejor Guion (Yasemin Samdereli y Nesrin Samdereli)

Mejor Director Novel (Yasemin Samdereli)

Festival de Cine de Munich

Mejor Actor Joven (Rafael Koussouris)

Festival de Cine Internacional de Chicago  

Mejor Pelicula 

Nota: 3/5 Cervecitas

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