Crítica: Jesus liebt mich (2012)

Título en Español: Jesús me ama

Director: Florian David Fitz

Guión: Florian David Fitz
Basado en la novela de David Safier

Reparto: Jessica Schwarz, Florian David Fitz, Henry Hübchen, Hannelore Elsner, 
Peter Prager, Palina Rojinski, Nicholas Ofczarek

Música: Marcel Barsotti

Fotografía: Stefan Unterberger

Productora: UFA Film

Handlung

El fin del mundo está cerca. El apocalipsis anunciado en las sagradas escrituras que pondrá fin a todo tipo de vida en la Tierra se aproxima... el martes, para ser más exactos. Es por ello que Jesús baja a nuestro mundo para asegurarse de que los hombres estamos preparados ante dicha hecatombe. En su camino conocerá a María, una joven perdida y confusa que ha dejado plantado a su prometido en el altar y se ha visto obligada a volver a casa de su padre, el cual vive con una joven del este, y enfrentarse a su madre, una hippie liberal. María no tardará en descubrir quien es realmente el hombre al que acaba de conocer, y que el futuro de la humanidad dependerá exclusivamente de ella.

Meine Bewertung

Tras el éxito obtenido con su papel, y también guión, en Vincent quiere al mar, Florian David Fitz se atreve a adaptar, dirigir, y protagonizar esta curiosa comedia sobre el regreso de Jesús a la Tierra. Desconozco la novela en la que se basa, y hasta que punto puede ser responsable de esta adaptación, lo que desde luego puedo afirmar es que si la intención de Fitz era la de traer una comedia ligera, sin mayor pretensión que la de hacer reir con una historia diferente y con un mínimo de originalidad, lo consigue. Como actor, Fitz da vida a un Jesús que atrae al espectador y que lleva tras de si ese aura mística y encantadora que se le atribuye al "Hijo de Dios", mientras que a la hora de dirigir cumple con la labor de aportar un buen ritmo a la cinta. El resto del reparto está a la altura de la circunstancias, especialmente Jessica Schwarz (más dotada para la comedia que para el drama) Henry Hübchen y Hannelore Elsner. El único problema de la cinta radica en lo desaprovechado de la historia. Incluso acudiendo a un perfil bajo a la hora de llevar una trama como esta a la gran pantalla, puede dar mucho más de si. Hecho en falta un tono algo más gamberra o irreverente en ciertos momentos que habrían aportado mucho más a la película (siempre desde el respeto) como en La Vida de Brian (Terry Jones, 1979), Dogma (Kevin Smith, 1999). Lo que nos encontramos es con una película que queda corta y endeuda con el espectador que ha pagado una entrada por verla.

Das Beste:

El reparto

Das Schlimmste:

El tratamiento de la historia

Preises:

Premios Jupiter
Mejor Película Alemana

Nota: 2,5/5 Cervecitas.

@cine_aleman

Crítica: Gegen die Wand (2004)

Título en Español: Contra la Pared

Director: Fatih Akin

Guión: Fatih Kain

Reparto: Birol Ünel, Sibel Kekilli, Catrin Striebeck, Meltem Cumbul, 

Demir Gökgol, Cem Akin

Música: Varios

Fotografía: Rainer Klausmann

Productora: Arte/ Bavaria Film International/ Corazón International/ 
Norddeutscher Rundfunk (NDR)/ Panfilm/ Wüste Filmproduktion

Handlung

Cahit, un turco-alemán de unos cuarenta años, alcohólico y drogadicto, decide poner fin a su vida estrellando su coche contra una pared. Milagrosamente, sobrevive al accidente, por lo que es recluido en un centro psiquiátrico donde conoce a Sibel, una joven, también turco-alemana, que ha tratado de suicidarse ante la terrible presión que sufre en su tradicional y conservador hogar. Sibel le propone a Cahit que ambos se casen para que ella pueda ser libre y vivir su vida sin normas, disfrutando de las discotecas y el sexo con desconocidos. Aunque en un principio se niega a formar parte de dicho plan, cede finalmente ante la insistencia de la joven. La situación inicialmente no es fácil, ya que la "esposa" de Cahit se pasa la noches disfrutando de las fiestas y los hombres, algo que él ve con indiferencia. Sin embargo, con el paso del tiempo, la presencia de Sibel se hará cada vez más latente en el diminuto apartamento de Cahit, llegando a enamorarse de ella.

Meine Bewertung

Como ya hiciera en sus tres películas anteriores, el director y guionista Fatih Akin vuelve a hacer uso de la inmigración y la adaptación de esta al país de destino como tema central de su historia. O más bien, de la falta de adaptación, ya que por lo general, Akin no posee un punto de vista muy optimista con respecto a la misma. Todo lo contrario. Si la adaptación de, principalmente, los turcos, a un país moderno y liberal como Alemania fue difícil, para la siguiente generación, la que se crió con las ventajas de un país como el mencionado, pero bajo la tutela de unos estrictos y conservadores padres, fue aún peor. Atrapados entre dos mundos y culturas completamente opuestas, un gran número de ellos caen en el mundo de las drogas y el crimen ante su incapacidad de adaptación. Esto es una realidad y es lo que Akin plasma con tantísimo acierto en su película a lo largo de diferentes pasajes o escenas. Aunque va más allá al mostrar la peculiar historia de amor entre sus protagonistas, y como si en un principio llegan a un curioso acuerdo para casarse y así ella liberarse de la influencia de su familia y vivir la vida entre fiestas, drogas y hombres, acaban enamorándose  encontrando al fin (al menos en un principio) esa paz y ternura que tan desesperadamente buscaban, y que puede reportarles finalmente felicidad. Los personajes de la cinta son dos almas perdidas y desamparadas que por casualidad se encuentran en el peor momento de sus vidas y que hacen de esta algo mejor por un corto periodo de tiempo.

Das Beste:

La historia y su reparto.

Das Schlimmste:

La extensión del último tramo de la película.

Preises:

Festival Internacional de Cine de Berlín
OSO DE ORO
Premio FIPRESCI

Premios de Cine Europeo
Mejor Película
Mejor Director

Premios del Cine Alemán
Mejor Película
Mejor Director
Mejor Actor
Mejor Actriz
Mejor Fotografía

Asociación de Críticos Norteamericanos
Mejor Película de Habla Extranjera

Premios Bambi
Mejor Nueva Actriz (Sibel Kekilli)

Premios Undine
Mejor Actriz Joven (Sibel Kekilli)

Premios Goya
Mejor Película Europea

Festival de Cine Contemporáneo de México
Mejor Director

Festival de Cine Turco-Alemán de Nuremberg
Mejor Actor
Mejor Actriz

Festival de Cine de Oslo
Gran Premio

Festival de Cine Internacional de Santa Bárbara
Premio Especial del Jurado

Festival de Cine Europeo de Sevilla
Premio del Público

Nota: 4,5/5 Cervecitas

@cine_aleman

Crítica: Elser: Er hätte die Welt verändert (2015)

Título en Español: 13 minutos

Director: Oliver Hirschbiegel

Guión: Léonie-Claire Breinersdorfer, Fred Breinersdorfer

Reparto: Christian Friedel, Katharina Schüttler, Burghart Klaußner,
Johann von Bülow, Felix Eitner, David Zimmerschied

Música: David Holmes

Fotografía: Judith Kaufmann

Productora: Lucky Bird Pictures/ Delphi Medien/ Phillipp Filmproduction

Handlung

1938, Munich. Un personaje anónimo termina a escondidas los preparativos de lo que parece la instalación de una bomba en una cervecería. La misma que en unas cuantas horas acogerá un mitin del partido nacionalsocialista entre los que se encuentra Adolf Hitler como orador. Nuestro protagonista trata de huir hacia la frontera con Suiza pero es atrapado antes de lograrlo. Poco después la bomba estalla y rápidamente se relaciona a este induviduo con el atentado del que Hitler, el objetivo principal, ha sobrevivido al salir de la misma 13 minutos antes de la explosión. El nombre de la persona tras todo este plan es Georg Elser, y es durante su interrogatorio, y a través de diferentes flash-backs que conoceremos a este personaje, la evolución de la sociedad alemana en la década de los años 30, y lo que le motivo a llevar a cabo el intento de asesinato de Hitler.

Meine Bewertung

11 años después del éxito de El Hundimiento, Oliver Hirschbiegel vuelve a Alemania tras un tiempo en Reino Unido probando suerte, sin demasiado acierto, con títulos como Invasión, Diana, y algunos capítulos de la serie Los Borgia. De todo esto podría salvar la aceptable Cinco minutos de gloria, con Liam Neeson. Cuesta creer que un director que apuntaba tan lejos con cintas como la primeramente mencionada, o El Experimento, tuviese tan difícil presentar algún proyecto decente (aunque tampoco tanto si pensamos en Florian Henckel von Donnersmarck). Parecía que su regreso a casa con una historia tan interesante como la del atentado en la Bürgerbräukeller en 1938 por parte de Georg Elser nos devolvería al Hirschbiegel de hace una década. Ahora os puedo decir que si bien se ha acercado bastante, no ha sido suficiente. 

Nos encontramos ante una película de gran factura técnica. Un trabajo de producción exquisito que nos lleva realmente a la Alemania de los años 30. El reparto, encabezado por Christian Friedel y Katharina Schüttler (perfectos en sus respectivos papeles) está a la altura de una historia como esta. En todo eso no tiene nada que envidiar a otros títulos de temática similar como El Hundimiento, Sophie Scholl, o Valkiria, o la serie de televisión Hijos del Tercer Reich. El problema radica en el desarrollo de la historia. Tanto el director como los guionistas deciden presentar en los primeros cinco minutos de la cinta la razón por la que Georg Elser pasó a la historia, la explosión de la Bürgerbräukeller, para continuar las casi dos horas restantes centrados en los duros interrogatorios a Elser, como los motivos por los que llevo a cabo el atentado. A través de los diferentes flash-backs que se nos presentan a lo largo de la cinta, poco o casi nada vemos de la preparación del atentado, que puede llegar a resultar lo más interesante, salvo al protagonista ojeando un par de mapas, revistas, y diseñando la bomba. En vez de ello, la historia se centra mucho más de manera inecesaria en la historia de amor entre Elser y una joven casada de su pueblo llamada Elsa. Si bien resulta de agradecer un cierto riesgo a la hora de presentar historias tratando dar un toque de personalidad a la misma, dudo que el planteamiento seguido en esta película sea el adecuado. De haber seguido una línea argumental seguida, presentándonos al personaje, centrándose en la situación del país, la necesidad de acabar con Hitler, todo el desarrollo del atentado, y la captura posterior (por este orden) nos encontríamos ante una cinta más interesante que seguramente captaría la atención del espectador con algo más de éxito. La cinta que nos queda es únicamente un interesante documento reivindicativo sobre la historia de otro héroe más que trato de acabar con la vida de uno de los mayores monstruos de la historia sin éxito, y que murió por esta causa.

Das Beste:

El diseno de producción y la caracterización del personaje principal.

Das Schlimmste:

El ritmo de la cinta y la historia de amor con Elsa.

Nota: 3/5 Cervecitas.

 
@cine_aleman

Crítica: Das Parfum - Die Geschichte eines Mörders (2006)

Título en Español: El Perfume - Historia de una Asesino

Director: Tom Tykwer

Guión: Andrew Birkin, Bernd Eichinger, Tom Tykwer
basado en la novela de Patrick Süskind

Reparto: Ben Whishaw, Alan Rickman, Dustin Hoffman, Rachel Hurd-Wood, 
Sara Forestier, Karoline Herfurth

Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer

Fotografía: Frank Griebe

Productora: VIP Medienfunds 4, Neff Productions, Castelao Productions

Handlung

Jean Baptiste Grenouille posee un don sobrenatural, la mejor nariz del mundo. Y en una época como la suya, la Francia de mediados del siglo XVIII, en una ciudad con una variadísima gama de olores como París, Jean Baptiste deja correr su imaginación a través de la exhaustiva identificación de cada uno de los olores. Esta habilidad le permitir destilar los mejores olores para vender como perfumes. Sin embargo, su obsesión va más allá. Su deseo es reproducir otro tipo de olor, el de las mujeres. Es por ello que patentará un método para destilar este olor, aunque sea a costa de la vida de las jóvenes que asesina, buscando crear el mejor perfume de la historia.

Meine Bewertung

Ciertamente sorprende que un director como Tom Tykwer, responsable de cintas como Corre, Lola, corre, o Heaven, acabase dirigiendo (y cumpliendo además) un proyecto al que el mismísimo Kubrick le dedicó años de su vida y que finalmente rechazó considerándolo "imposible". Y es que si bien la novela del bávaro Patrick Süskind es una de las más exitosas y aclamadas de los últimos 50 años, su ansiada adaptación había supuesto muchos quebraderos de cabeza para los que se habían atrevido con la misma. Realmente pocos se atrevieron, ya que la magia de la novela consistía, por un lado, en las descripciones de los olores que permitían olfatearlos con tu imaginación; y por otro, el seguimiento de un personaje como el de Grenouille, el cual resultaba poco cinematográfico en ciertos pasajes. Sin embargo, siempre hubo alguien dispuesto a arriesgarse, literalmente, ante la posibilidad de llevar la novela al cine, el productor alemán Bernd Eichinger. Este, amigo de Süskind, logró comprarle los derechos de la novela a principios del año 2000, y al momento comenzó a elaborar el guión junto a Andrew Birkin. Eichinger sabía que un proyecto tan ambicioso como aquel necesitaría, no solo de una co-producción entre varios países liderados por Alemania, sino también un reparto internacional y de caras conocidas. Se ofreció la silla del director a realizadores de renombre como Ridley Scott, Julian Schbanel o Tim Burton, aunque finalmente fue, el también alemán, Tom Tykwer, quién aceptó el desafío. Tres años llevo la producción de la cinta, entre correcciones del guión, elección del reparto, elaboración de los decorados, rodaje y montaje. Finalmente, tras una producción de 50 millones de euros, El Perfume se estrenó en el año 2006 recibiendo todo tipo de críticas. Estas no podían ser más dispares, ya que pasaban por aclamar la fidelidad con la que se adaptó la novela, hasta juzgar la falta de valor y frialdad del director al seguir a pie juntillas el libro. 

En mi opinión nos podemos encontrar dos tipos de novela, aquellas que se pueden adaptar al cine, y aquellas que no. No estoy de acuerdo con aquella conocida cita de Kubrick de si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado. Puedes filmar cualquier cosa, pero de ahí a que sea un producto aceptable o que como mínimo capte el espíritu original, ya es otra historia. El caso de El Perfume es otro más de un largo de listado adaptaciones innecesarias. Y es que se trata de la adaptación de una magnífica novela, una novela que dificilmente podía ser llevada al cine, que finalmente se rueda siguiendo fielmente el libro, pero que no ofrece nada más. No puede. Pero ¿es por ello la película mala?, no. La cinta tiene dos cualidades, la historia en la que se basa, y Tykwer. En un proyecto de semejantes características hace falta un director original y valiente. Conocedor de sus propias limitaciones. Sabedor de lo que la historia da de si y de lo que se puede tocar y lo que no. Si partimos de la base que la novela es inadaptable, el resultado es el mejor de los posible. El director sigue las pautas de la historia marcadas por el autor, en ciertos puntos gana a este último (como la elaboración de los perfumes, o el seguimiento del método de destilación de Grenouille), y en otros hace lo que puede (el final). Es por eso que debemos aplaudir el trabajo, tanto de Tykwer por su trabajo, como al equipo técnico que lleva al espectador a la auténtica Francia del siglo XVIII llegando a ofrecer en ciertos momentos casi la posibilidad de captar los olores gracias a un soberbio trabajo que el mismo Süsking debería recocer.
Como apuntaba antes, una producción de estas características necesitaba de caras conocidas para atraer al público. Estas se limitaron en Dustin Hoffman y Alan Rickman, cumpliendo con creces con sus cometidos. Para dar vida a las dos jóvenes que cambiarían para siempre al protagonista contamos con la alemana Karoline Herfurth, y la británica Rachel Hurd-Wood. Además, el legendario John Hurt da la voz al narrador. Sin embargo, el peso de la película recae en, el por entonces desconocido, Ben Wishaw, en el mejor, y más complicado trabajo de su carrera.

Das Beste:

Lo fielmente adaptada que está con respecto a la novela y el espíritu de la misma.

Das Schlimmste:

La complejidad de la novela y su narrativa en ciertos momentos provoca que la película sufra por la dificultad de contar la historia.

Preises:

Premios del Cine Europeo

Mejor Fotografía

Premio a la Excelencia por el Diseño de Producción

Premios del Cine Alemán

Mejor Fotografía

Mejor Edición

Mejor Diseño de Producción

Mejor Vestuario

Mejor Sonido

Premios del Cine Bávaro

Mejor Director

Mejor Diseño de Producción

Premios Bambi

Mejor Película

Premios Jupiter

Mejor Película

Mejor Director Alemán

Premios Undine

Mejor Actriz Joven (Karoline Herfurth)

Nota: 3,5/5 Cervecitas.

Aquí os dejo el trailer:

 

@cine_aleman

Crítica: Kreuzweg (2014)

Título en Español: Camino de la cruz

Director: Dietrich Brüggemann

Guión: Dietrich Brüuggemann, Anna Brüggemann

Reparto: Lea van Acken, Franziska Weisz, Florian Stetter, Moritz Knapp, 
Klaus Michael Kamp, Ramin Yazdani

Fotografia: Alexander Sass
Música: No tiene

Productora: ARTE/ ZDF/ UFA Fiction

Handlung

Maria es una joven católica alemana de 14 años que aguarda ansiosa para realizar su confirmación. En las clases de preparación para dicho sacramento en su parroquia (perteneciente a la Sociedad de San Paul, la cual defiende una interpretación conservadora y radical del cristianismo) les advierten de la importancia de este momento y del compromiso que adquieren con Dios. Este implica salvar al mayor número de pecadores posibles atrayéndoles a la única verdad, la suya. Tanto la parroquia a la que acude Maria, como su familia, condenan tajantemente la sociedad actual, ya que la mayoría de sus acciones son propias de pecadores, provocando la condenación de la civilización. María se enfrenta a la complicada tesitura de seguir a rajatabla los dictados de su familia y de su parroquia, o de sucumbir a los encantos propio de la juventud para ser como los demás niños, en vez de la oveja negra. Su único deseo, es ser una buena cristiana, entregar su vida a Dios, y llegar a ser Santa.

Meine Bewertung

Dietrich Brüggemann presenta su segundo largometraje tras la interesante, Renn wenn du kannst, en la que muestra con gran sobriedad (cámara y planos fijos en todo momento; la no inclusión de banda sonora), como si de un documental se tratase, las experiencias de una joven sometida a los dictados de una familia, sometida asimisma a los de una sociedad que recuerda a la Hermandad Sacerdotal San Pio X, la cual rechaza muchos aspectos de la sociedad moderna, en concreto aquellos relacionados con el liberalismo. Vuelve a trabajar, tal y como hiciera en su anterior película, con la también actriz, guionista y directora Anna Brüggemann, su hermana. Ambos vivieron en su infancia de primera mano lo que suponía convivir en una sociedad como la mencionada. Para ello, Dietrich representa a través de 14 capítulos titulados de la misma manera que las 14 estaciones de la cruz (14 momentos desde la condena de Jesús a la cruz, hasta el traslado de su cuerpo al sepulcro) los días posteriores de María a recibir la confirmación, y como las claras diferencias entre el mundo en el que trata de vivir su familia, y el mundo real, la hacen dudar y sufrir constantemente. Es el tajante discurso de su párroco, junto al acusador y dominante carácter de su madre lo que la harán tomar una decisión irrevocable.
La película busca denunciar el integrismo y la incapacidad voluntaria, no solo de las religiones, sino de cualquier tipo de sociedad, de adaptarse. Dudar del progreso y no dejarse llevar por la corriente mayoritaria está bien. Hacer sufrir a la gente impidiéndoles vivir en ciertos aspectos de tu vida por contradecir tus principios, los cuales tergiversas o malinterpretas según tu propio deseo, resulta más debatible. Podemos pensar en los casos de extremismo religioso, ya sean cristianos en occidente, judíos en Israel, o islámicos en Irak, Siria, y un largo etc... algunos son más bárbaros e integristas que otros, eso salta claramente a la vista, pero la raíz del problema es el mismo.
La sobriedad, que apuntaba al principio, con la que Brüggemann rueda la película busca introducir de lleno al espectador en la propia vida de María. En ella todo es estático (como la cámara), todo es firme y austero, hay un discurso que seguir y nada que discutir. La ausencia de música resulta también un acierto en ese aspecto.

Das Beste:

Las interpretaciones del reparto, destacando a su protagonista, Lea van Acken.

Das Schlimmste:

El exceso voluntario de sobriedad de la película perjudica el ritmo de la cinta en varias ocasiones debido al tono monótono del mismo, llegando a resultar aburrida.

Preises:

Festival Internacional de Berlín
Oso de Plata al Mejor Guión
Mejor Película para el Jurado Ecuménico

Festival Internacional de Valladolid
Mejor Película

Festival Internacional de Edimburgo
Mejor Película para el Jurado de Estudiantes a Críticos

Festival Internacional de Noruega
Mejor Película para el Jurado Ecuménico

Nota: 4/5 cervecitas

@cine_aleman

Crítica: Fack ju Göhte (2013)

Título en Español: No tiene aún

Director: Bora Dagtekin

Guión: Bora Dagtekin

Reparto: Elyas M´Barek, Karoline Herfurth, Katja Riemann, Jana Pallaske,
Alwara Höfels, Jella Haase, Anna Lena Klenke, Max von der Groeben

Música: varios

Fotografía: Christof Wahl

Productora: Rat Pack Filmproduktion/ Constantin Film Produktion

Handlung

Zeki Müller acaba de salir de prisión tras 13 meses esperando para recoger el cuantioso botín de su último atraco que una de sus "colaboradoras" ha enterrado, con mala "fortuna", en las obras de un instituto donde ahora se erige un gran gimnasio. Para poder recuperar el dinero, Zeki se hará pasar por profesor para así tener acceso al gimnasio por las noches y poder cavar un túnel hasta su objetivo. A pesar de no tener apenas educación, y unos modales rudos y groseros, Zeki logrará el puesto de profesor donde acabará en la clase de los alumnos más problemáticos a los que tratará con mano dura logrando así su respeto y atención, al mismo tiempo que enamorará a la idealista y novata profesora, Lisi.

Meine Bewertung

Si una película se estrena sin mayor pretensión alguna que la de entretener y hacer reír al espectador, no seré yo quien la critique por eso. Sería absurdo y pedante. Sin duda alguna, Fack ju Göhte es muy buena en esos dos puntos, los de entretener y hacer reír al espectador, de ahí el colosal éxito de taquilla. Bora Dagtekin se reúne con su actor fetiche, Elyas M´Barek, con quien había trabajado previamente en Doctor´s Diary y Turco para principiantes (serie y película) con la simple intención de contar una historia sencilla y divertida para todos los públicos, en una película que bebe de joyas del género como Rebelión en las aulas (James Clavell, 1967), aunque con un claro tono de humor. Aunque no por ello me terminó de encandilar la película. Que la cinta consiga arrancarme una carcajada cada cinco minutos es de agradecer, y mucho, pero no por ello tiene disculpas ciertos puntos como el personaje de Karoline Herfurth, una de las mejores actrices europeas de su generación, aunque poco habituada a la comedia. Su personaje roza lo estúpido e irritante, sin llegar a resultar cómico, pero claro, si un personaje tan poco atractivo en tantos sentidos puede conseguir a un buenorro como Elyas M`Barek, ¿por qué no el resto de jovencitas que vieron la película? ¿Entendéis ahora parte del éxito de la cinta en los cines? Una cosa es ridiculizar a un arquetipo de personaje basándonos en los consabidos y manidos estereotipos, pero lo que hace Dagtekin en este caso cansa, a pesar de que su intención fuera buena. De la misma manera que el ritmo que otorga a la película. Tiene un comienzo acelerado, lo cual no es malo en mi opinión. Me gustan los directores y guionistas valientes que no buscan adornar, sino que van directos al quid de la cuestión, y Dagtekin lo consigue... a ratos. El ritmo de la película va saltando constantemente, y eso viene de un problema del guión, el cual, si bien tiene claro lo que quiere contar, el como hacerlo ya es otro asunto. La historia de como un delincuente sin educación y que desconoce el término compasión se convierte en un profesor respetado y querido por sus alumnos, además de servir de ayuda a estos, y llegar a cogerles cariño y seguir con ellos es, como digo, interesante. Su ejecución, no. 

No voy a achacar el hecho de que se frivolice sobre la trágica situación de muchos profesores tanto en Alemania como en España, y de su dura (y en ocasiones traumática) profesión, ya que dudo que la intención de la película sea esa, pero si me quedaré con la sutil crítica de la cinta a esos aspirantes a profesores idealistas que buscan atraer al alumno con la psicología y que pronto se ven superados. Yo soy partidario de nuevas metodologías educativas, evidentemente, pero la demagogia sobra, y más con un tema tan importante como la educación. La disciplina y el respeto del alumnado al profesor deberían ser pilares de la enseñanza, porque no es solo a los profesores a los que deben respetar, también a la sociedad, y sobretodo, a ellos mismos. Creo que algo de este mensaje se ve reflejado finalmente en Fack ju Göhte.

Das Beste:

Elyas M´Barek

Das Schlimmste:

El ritmo de la cinta, en momento veloz, a ratos lento hasta la extenuidad, y su ejecución.

Preises:

Premios del Cine Alemán

Película más taquillera del año

Premios del Cine Bávaro

Mejor Película para el Público

Premios Bambi

Mejor Película

Premios Jupiter

Mejor Película Alemana

Nota: 3/5 Cervecitas

Aquí os dejo el trailer con subtítulos en inglés:

@cine_aleman

Cineastas de ayer: Marlene Dietrich

¿Miedo a la muerte? Uno debe temerle a la vida, no a la muerte.

Esa fue la eterna filosofía de la berlinesa Marie Magdelene Dietrich, más conocida como Marlene. Nacida en la capital alemana el 27 de Diciembre de 1901, desde muy pequeña estuvo vinculada a las artes, participando en pequeñas obras de teatro en el colegio, y tocando el violín. A principios de la década de los años 20 entró en la escuela de interpretación de Max Reinhardt. Dos años después consiguió su primer papel, aunque tendría que esperar hasta 1930, participando en peliculas menores con actuaciones de secundarias mayoritariamente, para su gran oportunidad en Der blaue Engel (El ángel azul) dirigida por Josef von Sternberg, y coprotagonizada por Emil Jannings. Marlene aparece en un par de ocasiones con los muslos al descubierto, algo radical en aquella época, por lo que tanto eso, como la película en si, le valió el mito de diva y Femme Fatale, convirtiéndose en todo un icono sexual de la época. Ese mismo año (1930) llaman desde Hollywood interesados por Marlene para protagonizar una película junto a Gary Cooper que sería conocida como Morocco, comenzando así su singladura en tierras americanas en las que si se convirtió en una figura mítica, y donde siempre mantuvo las distancias y una aptitud independiente ante su modo de hacer las cosas. Su mejor legado, cinematograficamente hablando, serían las películas de la década de los 30 que protagonizaría bajo las órdenes de Sternberg, como El Expreso de Shanghai o El Diablo era Mujer (ambientado en España).

Al comienzo de la segunda guerra mundial se nacionalizó americana huyendo de su país natal. Fue una firme anti-nazi, y lo demostró siendo una de las primeras celebridades que vendió bonos de guerra, entreteniendo a las tropas o manifestándose públicamente en contra del tercer Reich.

Aunque durante este periodo rodó algunas películas, no sería hasta finalizado el conflicto cuando la veríamos en sus mejores registros, como en Berlín Occidente (Billy Wilder, 1948); Testigo de Cargo (Billy Wilder, 1957); Sed de Mal (Orson Welles, 1958) y Vencedores y Vencidos (Stanley Krammer, 1961).

Mucho se ha hablado de su vida privada, algo de lo que se sabe mucho pero de las que circulan innumerables historias, como por ejemplo, su orientación sexual, el número de amantes que tuvo, o que clase de mujer de familia era. El mito más famoso sea quizás el de su relación con otra extranjera que eclipsó Hollywood durante los años 30, Greta Garbo.

Su figura de diva y "femme fatale" ha inspirado a muchas actrices durante el paso de los años. Aquí os traigo dos claros ejemplos, la genial Cate Blanchett en "The Good German", y Diana Kruger en la estupenda cinta de Quentin Tarantino, "Inglourious Basterds".

@cine_aleman

Crítica: Triumph des Willens (1935)

Título en Español: El Triunfo de la Voluntad

Director: Leni Riefenstahl

Guión: Leni Riefenstahl, Walter Ruttmann

Música: Herbert Windt, Richard Wagner

Fotografía: Walter Frentz

Productora: Reichsparteitagsfilm

El 5 de septiembre de 1934, ... 20 años después del estallido de la Guerra Mundial... 16 años después del comienzo de nuestro sufrimiento... 19 meses después del inicio del renacimiento alemán... Adolf Hitler voló otra vez a Nuremberg a inspeccionar las columnas de sus fieles seguidores.

Handlung

1934. Hitler, salvador de Alemania, aterriza en Nuremberg, capital ideológica nazi, a causa del congreso del partido nacionalsocialista. Las masas de fieles seguidores se arremolinan en torno a la figura de Hitler, el hombre que les llevará hacía el futuro más esperanzador que puedan imaginar. Leni Riefenstahl y Walter Frentz le acompañan.

Meine Bewertung

No es tarea fácil el visionar un documental de tintes propagandístico tan obvios, sea de la ideología que sea. Habrá quien no quiera ver una película documental como El Triunfo de la Voluntad por cuestiones personales, morales, etc... o porque sencillamente no le de la real gana. Como con cualquier otro tipo de material cinematográfico, es comprensible, e incluso más. Y es que, como digo, no es agradable el ver una cinta que alaba una ideología que acabó con la vida de millones de personas. Es exactamente lo mismo que pasa con otra joya documental, Octubre (Segei M. Eisenstein, 1928) sobre la revolución rusa. Pero lo que debemos de tener en cuenta en ambos títulos, es su importancia histórica.
Riefenstahl, una joven actriz y directora de cine, llamó no solo la atención en el panorama cinematográfico tras el éxito de La Luz Azul, sino la de uno de los hombres más importantes del momento, Adolph Hitler. Este, impresionado por la película, encarga a Riefenstahl una serie de documental sobre el movimiento nazi. La directora, encandilada como tantísimos otros por el discurso del dictador austriaco, acepta. Es así como realiza La Trilogía de Nuremberg, de la que Triumph des Willens es su título más conocido y logrado. Y es que la primera entrega, Der Sieg des Glaubens (La Victoria de la Fe) acusó numerosos problemas técnicos debido a la mala preparación del film, la inexperiencia de Riefenstahl, la falta de colaboración de Hitler, y las presiones de Goebbels. Tras esta experiencia, la directora perdió todo interés en rodar nuevamente otro congreso en Nuremberg, pero la insistencia de Hitler, y la promesa de contar con todos los medios imaginables, y total libertad creativa, terminanaron por convencerla.

La importancia de la cinta radica, como he dicho antes, en su apartado técnico. Riefenstahl contó con un equipo de más de cien personas entre cineastas y colaboradores, además de más de dos docenas de cámaras, y teleobjetivos, instalados en diferentes gruas (lo que permitía tomas de gran altura), raíles, siguiendo el paso de los personajes principales (el origen de la Steadycam); y cámaras portátiles. La directora preparó la filmación de la película de manera milimétrica, jugando al máximo con los diferentes planos en busca de la épica y el grandiosismo de la imagen. De los primeros planos de Hitler, el cual era orador brillante e intenso, pasamos al éxtasis grupal de las masas (miles y miles de personas hechizadas por el discurso de su lider). A todos estos acompaña la banda sonora que alterna el tono militar impuesto por Herbert Windt, con el de Wagner, autor favorito de Hitler.
 Si obviamos todo esto último, nos encontraremos (al igual que con Octubre) con un film sumamente aburrido, de pésimo ritmo e historia carente de interés alguno. Es un producto de importancia capital para la historia del cine, no una película de entretenimiento. Esto es algo que el espectador debería tener presente antes de ponerse delante de la pantalla.

 

Das Beste:

Ver en retrospectiva los adelantos técnicos que presentó el documental gracias a una mujer.

Das Schlimmste:

No resulta agradable, ciertamente, soportar la temática de la película, a pesar de que tecnicamente hablando estemos ante un documento único.

Preisses:

Festival de Venecia

Mejor Documental Extranjero

Aquí podéis verla online:

 
@cine_aleman

Crítica: Der Name der Rose (1986)

Título en Español: El Nombre de la Rosa
Director: Jean-Jacques Annaud

Guión: Andrew Birkin, Gérar Brach, Howard Franklin, Alain Godard
basado en la novela de Umberto Eco

Reparto: Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham, 
Michael Lonsdale, Valentina Vargas, Ron Perlman

Música: James Horner

Fotografía: Tonino Delli Colli

Productora: Neue Constantin Film/ Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF)/ Cristaldifilm/ Radiotelevisione Italiana/ Les Films Ariane/ France 3 Cinéma

Handlung

En esta ocasión nos trasladamos a una recóndita abadía benedictina entre las montañas en el norte de Italia del siglo XIV en la que un joven monje ha muerto en extrañas circunstancias. Para la resolución de este misterio, el abad encarga el caso a uno de sus visitantes, fray Guillermo de Baskerville, un perspicaz e inteligente monje franciscano con experiencia en este tipo de asuntos, que junto a su joven discípulo, acuden a una reunión entre su hermandad y legados papales para discutir el futuro de la Iglesia y su postura ante temas como la pobreza del clero, la ciencia y el razonamiento lógico, la división natural entre un mundo oscuro y pasado, y uno nuevo y luminoso. 

Meine Bewertung

Cuentan que estando Jean-Jacques Annaud y Umberto Eco reunidos, el primero aseguró al segundo que sólo él podía adaptar con éxito su aclamada novela, El Nombre de la Rosa. Tras cuatro años preparando el proyecto con varios países implicados en la producción, y un reparto, tanto artístico como técnico, internacional, Annaud probó tener razón. Al menos en cuanto a adaptación, ya que la complejidad del libro dificultaba en muchos momentos su paso al cine. El trasfondo histórico y político del momento (la aparición de la orden fransciscana abogando por la pobreza de la Igleisa en contraposición de la riqueza del clero y el papado) se resume a la perfección, poniendo en paralelo o comparando estos dos puntos de vista con la investigación de Guillermo de Baskerville, sus métodos modernos que abogan por el uso de la ciencia (progreso), en vez del misticismo (retraso) como resolución.
Sean Connery nos regala una de las mejores interpretaciones de su carrera gracias a un personaje que homenajea tanto a Guillermo de Ockham (1280/1288 - 1349) como a Sherlock Holmes (El sabueso de los Baskerville) y que encandila al espectador desde el primer momento. Al igual que un joven Christian Slater, en uno de sus primeros (y curiosamente mejores) papeles. A Annaud le acompañó un equipo técnico de primero, empezando por la fotografía de Tonino Delli Colli (habitual de Leone), la dirección artística de Dante Ferretti, y la música de James Horner.

Das Beste:

La historia, el reparto, la ambientación, la dirección.

Das Schlimmste:

Algunos cortes o saltos, producto seguramente de un mal montaje. Un final demasiado acelerado.

Preises:

Premios del Cine Alemán

Mejor Actor (Sean Connery)

Segunda Mejor Película

Premios BAFTA

Mejor Actor (Sean Connery)

Mejor Maquillaje

Premios Cesar

Mejor Película Extranjera

Premios Bávaros

Mejor Producción

Premios David di Donatello

Mejor Producción

Mejor Fotografía

Mejor Diseño de Producción

Mejor Vestuario

Premio René Clair a Mejor Director (Jean-Jacques Annaud)

Golden Screen

Mejor Película

Nota: 4/5 Cervecitas

Aquí podéis ver la película:


@cine_aleman